Setembro

Poucas vezes Woody Allen se preocupou tanto com relacionamentos pessoais como em Setembro, seu décimo sétimo filme, o segundo lançado em 1987 (o primeiro foi A Era do Rádio). Se concentrando exclusivamente em seis personagens que passam a história toda num único cenário (uma casa de campo em Vermont), o longa é uma das produções em que Allen deixa de lado o humor típico de suas obras para explorar o drama das figuras que desfilam pela tela. E o diretor acerta no modo como conduz tudo isso, realizando aqui um de seus trabalhos mais tocantes.

Setembro se passa ao longo de um fim de semana. Lane (Mia Farrow) se recupera de uma recente tentativa de suicídio, tendo para isso o apoio de sua amiga Stephanie (Diane Wiest) e de seus vizinhos, o professor Howard (Denholm Elliott) e o escritor Peter (Sam Waterston). Lane mal sabe do amor que Howard sente por ela, já que seus próprios sentimentos são direcionados a Peter, ele que, por sua vez, só tem olhos para Stephanie. Em meio a essas confusões amorosas, Lane recebe a visita de sua mãe insensível, Diane (Elaine Stritch), e de seu padrasto, Lloyd (Jack Warden), algo que arruína os planos que ela tinha para aqueles dias.

Setembro se revela um melodrama até novelesco em determinados momentos. Mas se o filme não aborrece nesse sentido é por conta dos personagens tão interessantes. Allen os desenvolve de tal forma habilidosa que fica difícil não se identificar ao menos um pouco com seus dilemas amorosos. Todos revelam uma triste solidão em suas respectivas existências feitas de amar e não ser amado de volta. Aliás, é curioso vê-los rejeitarem paixões enquanto veem seus próprios sentimentos recusados por quem amam. Sendo assim, vale dizer que a solidão sentida por todos traz um tom melancólico ao filme, detalhe que permeia toda a narrativa conduzida por Allen de um jeito um tanto teatral, seja pelos planos longos – que, inclusive, dão uma bem-vinda verossimilhança a história – ou pela própria mise en scène. Além disso, há de se ressaltar, por um lado mais estrutural, os fades inseridos em determinados momentos, que servem como uma espécie de intervalo entre uma cena e outra.

Já o elenco é hábil no modo como humaniza os personagens. Mia Farrow (esposa de Allen na época, aqui em sua nona parceria com ele) emociona com seu retrato de Lane, trazendo doçura por trás da introspecção, ao passo que Dianne Wiest se destaca ao encarnar Stephanie como uma mulher infeliz em sua vida de casada, mas que mesmo assim se sente culpada frente à possibilidade de trair. E se Sam Waterston e Denholm Elliott brilham como Peter e Howard, Elaine Stritch e Jack Warden têm momentos inspirados como Dianne e Lloyd. Ela, em especial, acaba pivô de grandes conflitos envolvendo Lane.

Setembro teve uma produção curiosa. Woody Allen o filmou duas vezes, tendo até mudado um pouco o elenco para a segunda rodada, que veio a ser a versão que vemos na tela. E é conhecido o fato de que, se pudesse, ele filmaria uma terceira vez. Nunca saberemos se o resultado teria sido melhor em outras versões, mas o que foi apresentado mostra uma obra admirável e de merecido destaque na carreira de seu excepcional realizador.

Nota:

O Abutre

Em uma cena de O Abutre, a produtora Nina Romina (vivida por Rene Russo) fala para um colega que iniciará o telejornal da manhã com imagens pesadas de um homem sendo socorrido após um tiroteio. “Mas [nessa hora] as pessoas tomam café da manhã”, ele diz. “E elas discutirão a notícia no trabalho”, ela responde. É uma troca de diálogos que expõe a falta de noção tanto das emissoras de TV, que não se importam com o quão impróprio é o conteúdo de certas notícias desde que estas tragam audiência, quanto de grande parte do público, que de certa forma parece deixar sua natureza autodestrutiva florescer ao querer ver violência na tela. É um ponto relevante questionado pelo filme, que explora ao máximo o lado sensacionalista da mídia a partir de uma área pouco conhecida do jornalismo (a dos cinegrafistas freelancers) e de um protagonista muito interessante.

Escrito e dirigido pelo estreante Dan Gilroy, O Abutre se concentra em Louis Bloom (Jake Gyllenhaal), rapaz que está à procura de emprego. Em uma noite, ele vê o trabalho de Joe Loder (Bill Paxton), que chega ao local de um acidente de carro e filma os policiais salvando o motorista, tendo como objetivo vender as imagens para alguma emissora. Louis então monta seu próprio negócio como freelancer, buscando sempre eventos violentos, já que estes são os que dão mais audiência e quanto pior forem mais prestígio podem lhe render diante de Nina (que Russo, aliás, interpreta com o talento que há tempos não se via em seus trabalhos) e seus superiores. No entanto, não demora muito até que ele comece a ignorar princípios éticos e a manipular as coisas para alcançar seus objetivos.

Lidando com um assunto tão intrigante, Gilroy é hábil na forma em que critica a mídia como produtora de conteúdo e, em menor escala, o público como consumidor. Sendo assim, o fato de ele ter Louis como protagonista é bastante apropriado, já que por ele iniciar como um novato na área, nós conhecemos aquele universo junto com ele e aos poucos identificamos as coisas que o diretor-roteirista deseja questionar. Dessa forma, é fácil constatar que para boa parte das emissoras passar uma informação relevante e bem aprofundada para o público é o que menos importa. O que acaba sendo mais interessante para eles é tentar ser o primeiro a lançar um conteúdo bombástico na TV para alcançar grandes números na audiência, e conseguir esse conteúdo é exatamente o que Louis tenta fazer ao longo do filme.

Mas além de fazer esses bons apontamentos, O Abutre se apresenta como um thriller, e nesse aspecto o filme não decepciona. A tensão imposta por Dan Gilroy se faz presente durante quase toda a narrativa, de maneira que o filme se torna tão instigante que é difícil desviar o olho da tela. E se Gilroy já mereceria aplausos pelo suspense que cria em momentos como aquele em que Louis invade uma casa antes da chegada da polícia, a perseguição de carro que acontece no terceiro ato é a cereja do bolo, levando a sério a ideia de que a mídia pode fazer da vida real um verdadeiro espetáculo.

Enquanto isso, Jake Gyllenhaal (um ator que não canso de admirar e que ultimamente tem escolhido lindamente os projetos nos quais se envolve) mostra-se fascinante como o protagonista. Em uma daquelas atuações que fazem o intérprete passar por uma grande transformação física, Gyllenhaal faz de Louis Bloom alguém que beira o autismo, mas de uma forma um tanto sinistra. Trata-se de um sujeito que até pode parecer ingênuo de vez em quando, mas a verdade é que ele sempre sabe exatamente o que está fazendo, sendo uma figura manipuladora por natureza com sua fala rápida e seu olhar atento, algo que pode ser visto desde momentos mais simples, como quando ele tenta trocar uma bicicleta por equipamentos, até a relação que ele desenvolve com Rick (Riz Ahmed), rapaz que ele contrata para ser seu estagiário. Gyllenhaal encarna Louis com intensidade e determinação impressionantes, deixando mais do que clara a paixão que ele cria por seu novo trabalho, vendo este como uma verdadeira forma de arte e não medindo esforços para ser um profissional bem sucedido.

O Abutre busca fazer o público refletir sobre suas questões muito mais do que o manter entretido em toda sua ação. Felizmente, ele consegue fazer as duas coisas com inteligência, sendo mais uma obra que merece destaque em 2014.

Nota:

Operação Big Hero

Depois de passar uma boa parte da década passa sem se destacar tanto como antigamente, a Disney definitivamente tem se mostrado inspirada nos projetos que vem desenvolvendo nos últimos anos, montando uma sequência interessantíssima de longas de animação que chegou ao ápice com Detona Ralph e, claro, Frozen. Para tentar manter o nível alcançado por essas produções, o estúdio agora recorre a uma de suas propriedades mais valiosas, a Marvel, pegando personagens que não são tão conhecidos quanto os grandes super-heróis da editora. Mas esse detalhe deve estar prestes a mudar, já que as figuras vistas nesse Operação Big Hero  surpreendem, rendendo uma das melhores animações de 2014.

Escrito por Robert L. Baird em parceria com Jordan Roberts e Daniel Gerson, baseado nos quadrinhos de Duncan Rouleau e Steven T. Seagle, Operação Big Hero se passa na cidade futurística de San Fransokyo, onde vive o jovem de 14 anos Hiro Hamada (voz de Ryan Potter), que resolve seguir o conselho do irmão mais velho, Tadashi (Daniel Henney), e entrar para a faculdade. Ele, então, usa seu conhecimento em robótica para criar uma série de microbôs que impressionam o professor Robert Callahan (James Cromwell). Ao perder seu irmão em um trágico incêndio, Hiro é confortado por Baymax (Scott Adsit), robô que Tadashi havia criado para cuidar da saúde das pessoas. No entanto, o garoto descobre que os microbôs estão sendo usados por um misterioso indivíduo mascarado e que o incêndio pode não ter sido um acidente. Para saber o que realmente aconteceu, Hiro tem a ajuda de Baymax e dos colegas de Tadashi, Go Go (Jamie Chung), Wasabi (Damon Wayans Jr.), Honey Lemon (Genesis Rodrigues) e Fred (T.J. Miller).

Pelos dramas dos personagens e temas desenvolvidos pelo roteiro, Operação Big Hero claramente bebe das fontes da Disney e da Marvel, e quando a história começa nos deparamos com um mundo de grande energia, aspecto que se reflete imediatamente no design de produção repleto de cores quentes, que só saem de cena quando precisam dar lugar ao luto de Hiro com relação ao que aconteceu com o irmão. Aliás, visualmente o filme é um primor, sendo possível ver toques de animes japoneses na concepção tanto de San Fransokyo quanto dos personagens (a ótima trilha de Henry Jackman também é fortemente influenciada). Somando isso ao carisma arrebatador das figuras que nos guiam por aquele o universo, tem-se um filme que encanta ao mesmo tempo em que entretém o público de maneira inteligente do início ao fim.

Os diretores Don Hall e Chris Williams conduzem o filme com segurança, se saindo bem no timing das gags inseridas na história (destaque para quando Baymax tem que cuidar de alguns furos em seu corpo inflável) e, principalmente, nas cenas onde a ação é mais intensa, como nos embates entre os heróis e o vilão. Nesse último quesito, por sinal, é interessante notar não só a dinâmica de Hiro e seus amigos, que melhora de um confronto pro outro, mas também como o roteiro os coloca construindo armaduras que exploram criativamente as especialidades de cada um. Para completar, Hall e Williams, com a ajuda do montador Tim Mertens, conseguem impor um ritmo ágil a narrativa sem sacrificar a sensibilidade com a qual tratam os personagens. A relação de Hiro com Tashida, por exemplo, é tocante por deixar claro o amor que eles sentem um pelo outro além de sua camaradagem, enquanto que aquela que o garoto tem com Baymax não deve nada aos protagonistas da obra-prima O Gigante de Ferro, animação com a qual Operação Big Hero faria uma belíssima sessão dupla.

Operação Big Hero tem seus problemas. Em alguns momentos, o roteiro traz diálogos muito expositivos (“Você se formou na escola aos 13 anos”, diz Tadashi para Hiro), sem falar que a reviravolta envolvendo a identidade do vilão não é nenhum pouco surpreendente. Mas, felizmente, esses acabam sendo obstáculos pequenos, que não chegam a impedir o público de sair entusiasmado do cinema. E eu não me importaria de ver esses personagens em novas aventuras.

Obs.: Há uma cena depois dos créditos finais.

Nota:

De Volta ao Jogo

Filmes de ação no estilo “exército de um homem só” não têm tido tanto espaço ultimamente, e quando ganham nem sempre são muito interessantes. É uma fórmula que parece não ser mais tão atrativa como foi antigamente. Mas às vezes ela ainda mostra que tem capacidade de surpreender, e se obras recentes como Operação Invasão e sua continuação lançada este ano são grandes exemplares, outras como Jack Reacher conseguem divertir. E eis que este De Volta ao Jogo chega aos cinemas e dá mais um bom respiro ao gênero, mesmo não tendo nada muito inovador.

Escrito por Derek Kolstad, De Volta ao Jogo traz Keanu Reeves interpretando John Wick, um assassino de aluguel que largou seus serviços para se dedicar a vida de homem casado. Mas quando sua esposa, Helen (Bridget Moynahan), morre devido a um câncer, John fica sem chão até o momento em que descobre que ela lhe deixou um último presente: um cachorro para lhe fazer companhia. No entanto, sua paz é rapidamente interrompida quando Iosef Tarasov (Alfie Allen), filho do chefão da máfia russa Viggo Tarasov (Michael Nyqvist), rouba seu carro e mata o pequeno animal. Mas, ao contrário do pai, que trabalhou com John quando este ainda estava na ativa, Iosef não tem ideia de com quem se meteu.

Não é uma história particularmente original, sendo um típico filme de vingança. Talvez a única grande diferença resida na motivação pessoal do protagonista, que é um tanto atípica para esse tipo de projeto. Muitos diriam que um cachorro seria uma razão boba para alguém fazer tanto estardalhaço, e sabendo disso o roteiro obviamente faz com que a pequena e adorável Daisy signifique mais do que “apenas um cachorro”. Quando John coloca a coleira ao lado do colar de sua esposa, por exemplo, sabemos o quê o animal representou para ele apesar do pouco tempo de convívio, justificando qualquer pancadaria que acontece.

E que pancadaria. Muito bem coreografadas e comandadas com segurança pelos estreantes Chad Stahelski e David Leitch (este último não foi creditado na função, mas apenas por conta de certos regulamentos do sindicato de diretores), as cenas de ação representam um dos pontos altos do filme, tendo um ritmo frenético e envolvente, além de explorarem com eficiência as habilidades do protagonista. E é impossível não ressaltar o contraste gritante entre a rapidez e objetividade que John demonstra quando entra em ação e a forma quase apática com a qual ele surge inicialmente. É como se o retorno a sua antiga vida lhe desse o gás que ele perdeu após as tragédias pelas quais passou.

Aliás, John Wick se revela um personagem interessante, não só pela maneira como age contra os vilões, mas também pelo respeito que todos têm por ele, o que inclusive rende cenas divertidas. Quando Viggo descobre quem seu filho resolveu cutucar, o “Oh!” que ele solta estabelece a grande reputação de John sem que ela seja mostrada pelo roteiro de alguma forma. Reputação esta que praticamente torna uma honra morrer pelas mãos dele. E, ainda que suas limitações como ator fiquem claras em momentos emocionais, Reeves merece créditos por encarnar John com força e determinação, convencendo como herói de ação, sem falar que sua inexpressividade parece trazer certa calmaria para o personagem, se encaixando bem no papel.

Claro que De Volta ao Jogo tem problemas que enfraquecem o resultado final. Mesmo que John exiba alguma vulnerabilidade em determinados momentos, ele ainda assim acaba sendo uma figura forte demais para que possamos temer pelo que vai acontecer com ele. Além disso, há elementos na história que nem são muito desenvolvidos e parecem servir apenas para que a projeção dure um pouco mais (a Srta. Perkins interpretada por Adrianne Palicki vem em mente). E por ter que dar um destino para mais coisas do que precisaria, o roteiro chega a aparentar ter vários finais, sendo que aquele que realmente encerra a trama é um tanto óbvio. Mas isso não é o suficiente para fazer com que o filme termine deixando um gosto meio amargo na boca. É uma produção cuja proposta funciona bem durante a maior parte do tempo, rendendo um entretenimento satisfatório e que não deixa de ser uma bela surpresa.

Nota:

Following

Christopher Nolan é hoje um diretor bastante admirado, que vem construindo uma carreira repleta de grandes filmes. Mas todo cineasta começa em algum lugar, e nem sempre isso ocorre em uma produção de bom orçamento ou com um grande estúdio por trás. Feito a um custo de apenas seis mil dólares, Following é um trabalho que Nolan provavelmente não conseguiria fazer se não tivesse contado com a boa vontade de alguns amigos. Mesmo enfrentando suas limitações, o filme se revelou uma grata surpresa, chamando atenção para seu realizador.

Escrito pelo próprio Nolan, Following acompanha Bill (Jeremy Theobald), um jovem escritor que passa a seguir pessoas na esperança de quebrar um bloqueio criativo. Uma delas é Cobb (Alex Haw), ladrão que, ao perceber o que ele está fazendo, intima o rapaz a acompanhá-lo em suas atividades ilícitas. Quando os dois invadem a casa de uma Loira (Lucy Russell), o protagonista acaba se apaixonando. Tomado pelo sentimento, ele decide conhecê-la melhor, mesmo com as advertências feitas por Cobb, que deixa claro que isso pode trazer problemas.

Um detalhe óbvio, mas ainda assim curioso, no fato de Bill seguir qualquer pessoa é perceber que o ser humano em si é uma criatura fascinante em seus hábitos. Cada indivíduo tem seus próprios compromissos, moradias, hobbies, relacionamentos. E é interessante analisar esse tipo de riqueza que existe em cada um de nós. Essa ação do personagem, de certa forma, encontra reflexo quando ele passa a invadir casas com Cobb, já que o novo parceiro mostra que é possível prever características dos moradores daqueles estabelecimentos só de ver os pertences deles, uma habilidade que ganha ótimos toques quando entram em sua própria casa, fazendo-o com que perceba o quão patética é sua vida.

No entanto, esse aspecto não chega a ser o centro da trama, já que Christopher Nolan realiza aqui um thriller com toques de noir cujo ritmo ágil envolve o espectador durante a maior parte da história. Utilizando uma estrutura não linear (algo que viria ser usado nos futuros trabalhos do realizador), Following começa acompanhando um interrogatório de Bill na polícia, e a partir disso volta no tempo para mostrar como ele se envolve com Cobb, pulando aos poucos para eventos que são consequência dessa parceria. É um grande quebra-cabeça que soa confuso inicialmente, mas gradualmente as peças se encaixam, montando uma trama repleta de reviravoltas surpreendentes em uma narrativa conduzida com segurança pelo diretor, que consegue criar um cativante clima de suspense entre os personagens.

Enquanto isso, Jeremy Theobald traz um jeito de homem comum que combina bem com Bill, além de lhe conferir uma insegurança que o aproxima do espectador. Nesse aspecto, o Cobb de Alex Haw é o oposto, praticamente ditando como as coisas devem acontecer. Aliás, é notável a influência que ele tem no protagonista, que até substitui o visual precário que tem inicialmente pela elegância típica do parceiro. Já Lucy Russell surge como o ponto fraco do elenco, não conseguindo fazer com que sua Loira se torne uma femme fatale interessante, o que é lamentável considerando a importância que ela acaba tendo na trama.

É verdade que Following enfrenta alguns problemas. Nolan é um tanto desajeitado em determinadas cenas (como em uma briga que ocorre no final do segundo ato) e os fades que dividem a estrutura do roteiro às vezes quebram o ritmo da trama. Mas é um filme eficiente ao longo de seus rápidos 68 minutos de duração, apresentando com propriedade o talento de um diretor que desde então amadureceu muito na arte de contar histórias.

Nota:

Ajuste Final

Donos de uma filmografia riquíssima, os irmãos Joel e Ethan Coen sempre mostraram habilidade invejável para transitar entre gêneros diferentes, criando obras notáveis e que nunca deixaram de ter as marcas de seu cinema. Logo no início da carreira, a dupla apareceu com o eficiente thriller Gosto de Sangue, partindo depois para o divertidíssimo Arizona Nunca Mais. Para confirmar de vez seus talentos, realizaram este Ajuste Final, um filme de gângster que não só faz jus aos melhores do gênero, mas que também funciona como belíssimo estudo de personagem.

Ajuste Final se passa na época da Lei Seca e foca conflitos entre as máfias locais de uma cidade americana. Nesse contexto, o chefe do crime, Johnny Caspar (Joe Polito), avisa seu rival, Leo O’Bannon (Albert Finney), que pretende matar o apostador Bernie Bernbaum (John Turturro), em virtude de trapaça. Apesar de ter o apoio de seu conselheiro, Tom Regan (Gabriel Byrne), Leo decide proteger Bernie, já que se trata do irmão de sua namorada, Verna (Marcia Gay Harden), ela que mantém um caso com Tom. Tal decisão dá início a uma guerra e Tom passa a tentar manter a paz entre os dois chefões, ainda que isso venha a afetar seus próprios interesses.

Assim, os Coen apresentam um mundo de traições e desconfianças, repleto de figuras desprezíveis, onde não há espaço para ingenuidade, covardia e nem mesmo para amizades. Este último aspecto, por sinal, parece até importante, mas não passa de uma ilusão, porque no final das contas os negócios sempre vêm em primeiro lugar. Ninguém pode ficar por baixo nesse universo corrupto, e isso rege boa parte dos atos dos personagens frios e calculistas que guiam a trama e tornam a experiência de assistir a Ajuste Final tão fascinante.

Tudo é comandado com elegância pelos Coen (sim, o filme é reconhecidamente dirigido pelos dois, mesmo com Ethan não sendo creditado na função ao lado do irmão, como passaria a ser a partir de Matadores de Velhinha). Em determinados momentos, eles demonstram prezar bastante pela sutileza. Quando um personagem é socado escada abaixo, por exemplo, a ideia de que ele está sendo rebaixado é perceptível sem grandes alardes. Além disso, é interessante ver o contraste que os Coen criam entre o que se vê geralmente na tela e o tom às vezes melancólico (apesar da violência que acompanhamos), o que até pode ser creditado em boa parte à fantástica trilha de Carter Burwell. Para completar, é admirável como os irmãos cineastas impõem um visual que faz a narrativa lembrar constantemente os filmes noir, seja pela impecável recriação de época feita pelo design de produção ou pelo belo jogo de luzes da fotografia de Barry Sonnenfeld.

Enquanto isso, o elenco é irrepreensível em suas composições. O veterano Albert Finney interpreta Leo como uma figura de autoridade e inteligência inquestionáveis, algo que fica claro desde sua primeira cena. O momento em que ele escapa de um atentado é, sem dúvida, um dos melhores do filme. Já o excelente Jon Polito aposta em uma ansiedade que de certa forma torna seu Johnny Caspar o oposto de Leo, já que enquanto este se sente seguro em seu poder, aquele deve correr mais um pouco para alcançá-lo. E se Marcia Gay Harden se destaca ao tornar Verna uma mulher forte e que beira a femme fatale, John Turturro brilha ao fazer de Bernie um homem bobo por almejar mais coisas do que deveria, mas cujos atos ainda assim se revelam imprevisíveis.

Mas o grande nome do filme é mesmo Gabriel Byrne que, como o protagonista Tom Regan, surge como a figura mais íntegra da galeria apresentada pelos Coen ao longo da história. Tom mostra ter a ética que Johnny Caspar logo no início diz tanto valorizar. Mesmo que aja como um verdadeiro anti-herói, isso não o impede de ser o único a demonstrar sentimentos por outras pessoas, como Leo e Verna. Sem falar que seu arco dramático é muito bem desenvolvido, detalhe evidente em duas cenas específicas e aparentemente iguais envolvendo Bernie, mas que têm resultados diferentes. Byrne encarna o personagem com a sensibilidade que ele merece, em uma das melhores atuações de sua carreira.

Impressionante em todos os sentidos, Ajuste Final se estabelece facilmente como uma das obras-primas dos irmãos Coen. Aliás, este é um elogio considerável se levarmos em conta que a dupla vem conseguindo manter a genialidade vista nesse início de carreira durante a maior parte de sua filmografia, algo que chegaria ao ápice no premiadíssimo Onde os Fracos Não Têm Vez. O que, convenhamos, é digno de aplausos.

Nota:

Debi & Lóide 2

Quando um bom filme faz sucesso e sua desejada continuação fica vários anos no limbo sem ser desenvolvida, algumas dúvidas pairam no ar. É realmente válido trazer os personagens em uma nova história ou seria melhor deixá-los quietos, já que estariam saindo por cima? Debi & Lóide passou por isso. Apontada por muitos como uma das melhores comédias da década de 1990, o longa em vários momentos pareceu estar prestes a ganhar uma continuação, mas esta nunca ia pra frente (deixemos o prequel lançado em 2003 no esquecimento que merece). No entanto, 20 anos depois, Jim Carrey e Jeff Daniels finalmente retornam aos seus famosos personagens neste Debi & Lóide 2, novamente sob o comando dos irmãos Peter e Bobby Farrelly. E é um alívio poder dizer que a espera valeu a pena e quaisquer receios com relação ao projeto foram em vão.

Escrito pelos próprios diretores em parceria com Bennett Yellin (que contribuiu no primeiro filme), Mike Cerrone, Sean Anders e John Morris, Debi & Lóide 2 coloca Lloyd Christmas (Carrey) e Harry Dunne (Daniels) voltando a conviver juntos depois de o primeiro pregar uma peça épica no amigo. Eles então descobrem que a antiga namorada de Harry, Fraida Felcher (Kathleen Turner), teve uma filha com ele e a deu para adoção. Considerando que Harry está precisando de um transplante de rim e a garota, Penny (Rachel Melvin), pode ser a única doadora compatível, a dupla parte em uma viagem para encontrá-la. Obviamente, causam confusões homéricas pelo caminho, principalmente quando se envolvem com o pai adotivo dela, Dr. Pinchelow (Steve Tom), cuja esposa, Adele (Laurie Holden), quer tirá-lo de circulação para ficar com a herança.

Debi & Lóide 2 segue mais ou menos a mesma fórmula usada anteriormente, usando uma estrutura de road movie em sua história e chegando a repetir situações e piadas. De certa forma, isso pode denotar alguma falta de criatividade por parte dos roteiristas. Mas a verdade é que não chega a incomodar tanto, servindo como base para que as sacadas do roteiro divirtam em sua maioria. É bacana e até mesmo nostálgico ver Lloyd e Harry fazendo as patetices com as quais nos acostumamos, provando que são mais estúpidos do que imaginávamos, o que não poderia ser mais apropriado (o que dizer, por exemplo, do caminho que fazem para ver os pais de Harry?). Além disso, o roteiro não deixa de prestar homenagens ao longa original, trazendo de volta elementos conhecidos daquele universo, como a van canina dos protagonistas e o vizinho cego Billy (Brady Bluhm), que novamente vira alvo de piadas hilárias.

Jim Carrey e Jeff Daniels retomam admiravelmente a química entre seus personagens, algo que se não acontecesse certamente faria o projeto perder sua razão de ser. Se as piadas funcionam, isso se deve à incrível inocência adotada pelos atores ao encarnarem seus personagens, agindo como se a estupidez deles fosse perfeitamente normal diante das outras pessoas. A reação deles a uma revelação sobre sexo, por exemplo, é engraçada exatamente por estarmos falando de duas crianças grandes. Aliás, a dupla é tão parada em sua imaturidade que usa exatamente as mesmas roupas de adolescente do primeiro filme, e se lá elas já soavam deslocadas, aqui isso é ainda mais perceptível – afinal, estamos falando de dois homens de meia-idade.

Debi & Lóide 2 não é excepcional como seu antecessor. Seria surpreendente se isso acontecesse. Mas é um filme bem sucedido não só em suas tentativas de causar o riso do público ao longo da projeção, mas também em tornar prazeroso rever seus cativantes protagonistas, que definitivamente não mudaram nada nestas duas décadas.

Obs.: Há uma cena depois dos créditos finais.

Nota: